Hoy en día la mayor parte de producciones de cine recurren a los efectos digitales por pura conveniencia, pero hubo una época en la que simular algo que no existía requería fabricarlo físicamente o recrearlo mediante trucos visuales y mucha técnica. Estos son algunos de los efectos del cine clásico más sorprendentes.

Sin quitar ning√ļn tipo de m√©rito a los efectos actuales generados por ordenador, siempre resulta sorprendente apreciar como los efectos tradicionales lograban crear magia con unos medios unas veces rudimentarios, y otras extremadamente laboriosos. Algunos se siguen utilizando. Otros han sido completamente superados por las nuevas t√©cnicas digitales.

La noche americana

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Ejemplo de Noche Americana. Foto: Hejl / Flickr, bajo licencia Creative Commons

Actualmente disponemos de sensores de cámara capaces de grabar escenas nítidas en plena noche, pero en los comienzos del cine no tenían tanta suerte. La solución era una técnica llamada Day for Night o Noche Americana en el mundo hispanohablante.

En esencia, lo que se hacía era filmar a plena luz del sol, pero subexponiendo la toma y usando un potente filtro de color azul. La razón del color es que el ojo humano percibe el brillo de la luna con un sutil matiz azulado. Esto es debido al denominado Efecto Purkinje. En Recuerdos de Pandora explican:

A medida que la luminosidad se pierde, la retina del ojo humano pierde sensibilidad para largas longitudes de onda de la luz (correspondientes a los colores amarillo, naranja y rojo), a la par que gana sensibilidad para cortas longitudes de onda de la luz (correspondientes a los colores verde, azul y violeta).

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Los tonos azulados nos evocan escenas nocturnas, y por ello el cine nos ha enga√Īado durante d√©cadas filmando de d√≠a y ti√Īendo el resultado de azul. M√°s adelante se utilizaron tambi√©n l√°mparas de Tungsteno cuya iluminaci√≥n tiene una temperatura de color azulada. La t√©cnica se usa muy raramente hoy.

Fotografía Stop Motion

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Pones un objeto frente a la cámara, tomas un fotograma, lo mueves un poco, tomas otro fotograma. Así hasta tener al menos 26 cuadros por segundo que den sensación de movimiento... Esta laboriosa técnica de animación se sigue usando hoy en películas caseras hechas con Lego o grandes producciones como The Boxtrolls, pero su origen se remonta al nacimiento del cine.

Se da la circunstancia de que uno de sus pioneros es un espa√Īol, Segundo de Chom√≥n, que us√≥ stop motion para los efectos especiales de pel√≠culas como La casa hechizada (1906) o El Hotel el√©ctrico (1908). Segundo trabaj√≥ en la productora m√°s importante de cine en aquella √©poca, la francesa Path√© Films.

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El stop Motion para animar peque√Īos monstruos de arcilla y simular que tienen un tama√Īo descomunal tuvo uno de sus grandes hitos en King Kong (1933). Su animador era Willis O‚ÄôBrien, quien a su vez fue maestro de uno de los nombres m√°s m√≠ticos en la historia de los efectos especiales: el maestro Ray Harrihausen.

Harrihausen perfeccion√≥ esta t√©cnica hasta el extremo y llev√≥ esa experiencia a pel√≠culas tan deliciosas como Jason y los Argonautas (1963), Hace un mill√≥n de a√Īos (1966) o Furia de Titanes (1981).

Retroproyección, Zoptic y Croma

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Todo comenz√≥ con la t√©cnica de la retroproyecci√≥n. Se situaba a los artistas en un escenario frente a una pantalla en la que se proyectaba desde atr√°s una escena en movimiento. Escenas tan cl√°sicas del cine como el avi√≥n que persigue a Cary Grant en North by Northwest (Con la Muerte en los talones en Espa√Īa o Intriga Internacional en Latinoam√©rica. 1959) se hicieron con esta t√©cnica.

La retroproyección no permitía mover la cámara, así que Zoran Perisic, el especialista detrás de los efectos especiales de Superman (1978), creó la técnica denominada Zoptic. El uso de dos zooms sincronizados permitía mover el plano de retroproyección para seguir a un objeto en movimiento, en este caso a Christopher Reeve suspendido de unos cables.

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El √ļltimo ejemplo de este juego de fondos proyectados es la inserci√≥n croma. Se trata de filmar usando un fondo de un color uniforme (generalmente azul o verde). Despu√©s se sustituye esa superficie por otra filmaci√≥n. Esta t√©cnica es ampliamente utilizada hoy tanto en cine como en televisi√≥n.

Matte Painting

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El matte painting (pintura mate en espa√Īol, aunque siempre se suele utilizar el t√©rmino original en ingl√©s) es una t√©cnica art√≠stica muy utilizada para escenarios. Consiste en aplicar capas de pintura opaca (generalmente √≥leo) sobre un cristal o panel de plexigl√°s para despu√©s iluminar el resultado desde atr√°s.

Las zonas que se deseen m√°s iluminadas se cubren con tonos m√°s claros o menos cantidad de pintura, mientras que las m√°s oscuras se saturan de pigmento para que no pase la luz. Si el escenario tiene focos o puntos de luz como estrellas, se dejan peque√Īos puntos sin pintura para que dejen pasar toda la luz.

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Después, basta con rodar la escena respetando la misma perspectiva de la pintura, y montar el resultado en el estudio. Si el artista es habilidoso, el matte painting se funde perfectamente con la acción. En la primera trilogía de Star Wars, la técnica se llevó a la excelencia para elaborar escenarios que incluso hoy parecen tan reales que cuesta distinguirlos. Los cavernosos interiores de la estrella de la muerte o algunas de las escenas generales en Tatooine y Endor están rodadas mediante esta técnica. El famoso almacén 13 de la escena final de Raiders of the lost ark también es un matte painting.

Maquillaje

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Imposible hablar de efectos especiales cl√°sicos sin hablar de maquillaje. Hoy en d√≠a, el maquillaje de efectos es un arte en s√≠ mismo, pero en los or√≠genes del cine eran los propios actores los que se buscaban la vida para caracterizarse. En los a√Īos 20, el actor Lon Chaney era ya un aut√©ntico experto en maquillaje que le vali√≥ el apelativo de El hombre de las mil caras. Entre sus interpretaciones hay cl√°sicos como El jorobado de Nuestra Se√Īora (1923) y El fantasma de la √≥pera (1925).

Con el tiempo, el maquillaje se profesionalizó. El gran descubrimiento de esta increíble profesión fue el látex. El uso de espuma de látex y látex líquido permitió la creación de prostéticos que son auténticas obras de arte, como las máscaras que John Chambers creó para Planet of the Apes (1968).

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Con el tiempo, el látex se combinó con gelatinas, geles y siropes con los que simular sangre fresca. El gran maestro de maestros en este campo ha sido Rick Baker, a quien le debemos los efectos visuales de An american werewolf in London (1981), Gremlins 2, Hellboy o X-Men: The Last Stand. Baker combinaba a menudo el maquillaje con piezas móviles o animatronics para dar más realismo a sus creaciones.

Uso de maquetas a escala

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Cuando se trata de maquetas, uno inmediatamente piensa en la trilogía original de Star Wars, pero en realidad su uso se remonta al mismísimo Georges Méliès, que uso modelos a escala en su célebre Le Voyage dans la Lune (1902).

Para dar la sensaci√≥n de que la maqueta tiene un tama√Īo enorme, se jugaba con la profundidad de campo en una t√©cnica denominada Maqueta colgante, en la que se interpon√≠a una maqueta sobre un plano real y se forzaba la perspectiva.

Asalto a la Estrella de la Muerte. Escena original, comparada con la retocada digitalmente por Lucas en 1997 (Hat tip, Jose Jacas)

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El uso de maquetas ha sido masivo antes de la llegada de los escenarios digitales. Podemos encontrar ejemplos de ello en obras de arte como Metrópolis (1927), Ciudadano Kane (1941) o Godzilla (1954). En 2001: A Space Odyssey (1968) Kubrick logró simular la Discovery y otras naves espaciales de forma muy convincente mediante maquetas. No obstante, la máxima expresión del uso de maquetas se la debemos a John Dykstra.

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Dykstra y su equipo perfeccionaron una t√©cnica llamada Motion control Photography que permit√≠a sincronizar el movimiento de varias maquetas colgadas de hilos con el movimiento de la c√°mara mediante una gr√ļa y un chip especialmente adaptado. El resultado fue la c√°mara Dykstraflex. Eran los albores del cine digital.

Todos los combates espaciales de la trilog√≠a original de Star Wars se grabaron mediante esta t√©cnica. Despu√©s hab√≠a que editar fotograma a fotograma para borrar los cables y sujecciones de las maquetas, incorporar matte paintings para los fondos, o a√Īadir luces. Era un trabajo tit√°nico.

Animatrónica

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Los aut√≥matas se remontan a Leonardo Da Vinci, pero el t√©rmino Animatronics lo acu√Ī√≥ Walt Disney a colaci√≥n de unos p√°jaros mec√°nicos que cantaban en la atracci√≥n The Enchanted Tiki Room en Disneyland. Se considera que la primera pel√≠cula con animatronics es Mary Poppins (1964) en la que Julie Andrews cantaba con unos pajaritos mec√°nicos.

Mucho ha llovido desde aquellos pajaritos. El mayor pionero en el uso de marionetas fue Jim Henson y sus ya míticos Muppets, pero Henson participó poco en cine salvo por clásicos como The Dark Crystal (1982) o Labyrinth (1986). Un discípulo de Henson, Frank Oz, es el responsable de haber dado vida a Yoda en el Episodio V de Star Wars, The Empire Strikes Back (1980).

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Uno de los artistas mas influyentes en el uso de mu√Īecos animatr√≥nicos en el cine es Stan Winston. Se hizo famoso por los horripilantes monstruos animatr√≥nicos de The Thing (1982), y es el creador del terminator Original, o de los efectos de la saga Predator. En 1993, Winston cre√≥ el mayor animatr√≥nico que se conoce, el T-Rex de Jurassic Park. Mide 12 metros de largo y seis de alto.

Rotoscopía

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Cerramos nuestro paseo por la magia del cine clásico con uno que no es un efecto especial como tal, sino una técnica de animación. Se trata del rotoscopio. Es algo así como una máquina de proyección utilizada para dibujar planos a partir de otros planos, como si los calcáramos del natural. En cine de animación hay joyas como Heavy Metal que están íntegramente dibujadas mediante esta técnica, pero la rotoscopía es famosa por ser la técnica que utilizaron para dar el brillo a los sables láser en la trilogía original de Star Wars.

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